Академические музыкальные традиции и некоторые правила исполнения классической музыки зародились еще в Средневековье, а основы для этого были заложены в монастырях. Популяризатор классической музыки рассказала «Вокруг света», кто и как развивал музыку средневековой Европы в течение тысячи лет.
Этим материалом мы открываем цикл публикаций о ключевых событиях в истории музыки. Как от органной и лютневой музыки мы пришли к хард-року и синти-попу? Устанавливаем связи, проводим аналогии и смотрим сквозь века.
- Источник:
- Godong / Alamy via Legion Media
С распространением христианства по Европе монастыри превратились в очаги культуры, включая и музыкальную, а религиозные песнопения стали считаться образцом профессиональной музыки.
- Источник:
- предоставлено Анной Виленской
Они были призваны очистить сознание человека от эмоций и приблизить его к Богу — отсюда проистекает и вполне логичный для Средневековья церковный запрет на музыкальные инструменты. «Бог создал человека уже как инструмент (человек — божья дудка), так что никаких флейт и скрипок нам не нужно», — такова была позиция церкви.
Вплоть до XV века именно церковь оставалась законодателем музыкальной моды. Что же до народной музыки, то она развивалась параллельно и не одобрялась церковными властями. К тому же, фольклорные средневековые мелодии не записывались, поэтому об их истории и развитии мы знаем в основном из косвенных источников, в отличие от мелодий церковных.
Григорианские хоралы
- Источник:
- ART Collection / Alamy via Legion Media
Хотя церковь провозгласила единые правила песнопений для богослужений, на заре Средневековья в каждом регионе сохранялся собственный музыкальный стиль. За унификацию гимнов и хоралов взялся в конце VI века папа римский Григорий, который отправился в «гастрольный тур» по монастырям Европы. В этой поездке он выбрал несколько мотивов, отличавшихся простотой, мелодичностью и гармонией. Эти песнопения и легли в основу так называемого антифонария — сборника хоралов, прозванных григорианскими. Эти спокойные акапельные мелодии стали отправной точкой в истории профессиональной музыки.
После этого и до начала эпохи Возрождения возникло ограниченное количество музыкальных жанров. Почти все они церковные: мадригал, кантата, контрапункт, месса. Это музыка, которая звучит во время литургии и других богослужений.
Гвидонова рука
- Источник:
- The History Collection / Alamy via Legion Media
Следующим человеком, внесшим неоценимый вклад в развитие музыки, стал в XI веке монах-бенедиктинец Гвидо д’Ареццо, придумавший известные нам названия нот.
Д'Ареццо руководил детским хором кафедральной школы. Правда, его непоседливым ученикам очень тяжело давалось музыкальное образование. Тогда Гвидо адаптировал для детей сложную средневековую систему нотной записи.
В придуманной им схеме раскрытая ладонь левой руки с растопыренными пальцами была аналогом современного нотного стана. На кончики и фаланги пальцев монах «нанизал» ноты, попутно дав им современные названия. Для этого он просто взял первые буквы начальной строфы гимна Иоанну Крестителю (Ut queant laxis), хорошо известного его подопечным.
- Источник:
- Edited by George Grove, Public domain, via Wikimedia Commons
Выглядело это так:
UT queant laxis
REsonare fibris
MIra gestorum
FAmuli tuorum,
SOLve polluti
LAbii reatum,
Sancte Ioannes.
Примечательно, что первая нота называлась не до, а ут — привычный нам и более удобный для распевания вариант появился только в XVII веке стараниями Джованни Баттисты Дони, который, возможно, увековечил в новом названии ноты первые буквы собственной фамилии.
Можно также заметить, что в системе Гвидо д'Ареццо нот было всего шесть: ут, ре, ми, фа, соль, ля. Нота си тоже появилась в XVII веке, а назвали ее в честь Ионна Крестителя по первым буквам седьмой строки того самого гимна (Sancte Ioannes).
Хильдегарда раздвигает границы
В XVII–XVIII веках композиторы не стеснялись писать музыку сложнее и интереснее, чем их предшественники. А вот в Средневековье идею превосходства над другими не одобрялась. Среди тех, кто пошел против этой установки, была Хильдегарда Бингенская — самая известная и одна из немногих средневековых женщин-композиторов.
- Источник:
- INTERFOTO / Alamy via Legion Media
Паломники со всей Европы приезжали в Бинген, чтобы услышать песнопения, которые сочиняла аббатисса. Хильдегарда руководила женским хором и писала сложную музыку, находя лазейки в канонах григорианских хоралов. Ее творчество сподвигло и других музыкантов тоже выйти за границы дозволенного и разнообразить вариации церковной музыки.
Божественный ритм и диссидентство
С началом использования многоголосия в музыке композиторы думали, как обозначать ритм. Так как на дворе по-прежнему стояло Средневековье, люди решили, что одна нота должна непременно делиться на три более мелких части, ведь это число обозначает Троицу. Это деление назвали перфектным (совершенное), но на практике оно было крайне неудобным.
- Источник:
- sante castignani / Alamy via Legion Media
Первым «ритмическим диссидентом» считается французский композитор и теоретик музыки XIII века Пьер де ла Круа. Он позволил себе экспериментировать и так заигрался, что изобрел классическое деление ноты на две части, которым мы пользуемся и по сей день.
Терция услаждает слух
По своей природе каждый звук сам по себе делится на несколько волн. Волны, раздражающие слух, вызывают неприятные ощущения и называются диссонансом. А гармоничное и благозвучное сочетание между собой этих волн — консонансом. При этом человеческий слух «эволюционирует»: раньше люди считали неприятными те сочетания звуков, которые сейчас кажутся усладой для ушей.
В середине XIII века французский теоретик музыки Иоанн де Гарландия впервые назвал терцию (музыкальный интервал в три ступени) консонансом. Сегодня иное мнение кажется странным, ведь терция не может быть диссонансом, потому что интервал — основа всей современной музыки. И для нас сочетание звуков, рождающих терцию, более чем приятно. Так, благодаря Гарландию мы можем отследить момент тектонического сдвига в музыкальном мировосприятии.
Национальный колорит
Средневековая христианская музыка была интернациональной. Например, она могла быть родом из Италии, но никакого итальянского колорита в ней не ощущалось. Песнопения не отражали светский опыт композитора — только Бог, только религия.
Первым, кто нарушил эту традицию, стал в XIII веке польский композитор Викентий из Кельчи. Он написал на церковную мелодию гимн Gaude Mater Polonia («Радуйся, Мать Польша»), который польские рыцари пели, празднуя свои победы.
Мастер фигурной нотации
Французский композитор, органист и арфист Бод Кордье живший на рубеже XIV–XV веков, считает придворным музыкантом герцога Бургундии Филиппа II Смелого. В историю музыки Кордье вошел как композитор, создавший «художественной» формы записи своих произведений. Так, ноты одного из них он изобразил в форме сердца, выделив отдельные фрагменты красным цветом, а другое записал в форме круга.
- Источник:
- Baude Cordier, Public domain, via Wikimedia Commons
- Источник:
- Baude Cordier, Public domain, via Wikimedia Commons
Кордье было мало чистой музыки, поэтому он старался всячески ее украсить. Получилось эффектно, но, по признанию музыкантов, читать такую форму нотации неудобно. Не удивительно, что идея Кордье не прижилась — к подобным экспериментам композиторы вернулись только в XX веке.
Частушки по-божески
Французский поэт и композитор XIV века Гийом де Машо прославился как новатор. В частности, он сочинял музыку в форме лэ — одноголосные песни без сопровождения (сродни нашим авторским частушкам). Каждая строфа в них была распета на собственную мелодию, идентичной была только музыка первой и заключительной (12-й) строф.
- Источник:
- INTERFOTO / Alamy via Legion Media
Также Гийом был первым композитором, создавшим каталог собственных работ. Это было уникальным событием, ведь приписывать себе авторство произведений в Средневековье считалось просто неприличным: «композитор — лишь проводник, которым управляет сам Бог». Но Гийом решил оставить все эти условности и, следуя примеру Леонина и Перотина, — первых композиторов, подписавших свои сочинения в XII–XIII веках, зафиксировал авторство собственных трудов.
Закон всемирного музыкального тяготения
Современному слушателю музыка Средневековья обычно кажется скучной: на ней тяжело сконцентрировать внимание. Она скорее медитативная, чем событийная. Отчасти так происходит из-за того, что ноты в ней не имеют тяготения — они просто красиво и поступенно сменяют друг друга, тогда как мы привыкли, что музыка всегда к чему-то приходит, во что-то разрешается (в противном случае мы воспринимаем это как вокальную импровизацию).
Первым, кто объяснил, что диссонанс тяготеет к консонансу, был итальянский теоретик музыки XIV века Маркетто Падуанский. Он доказал, что услышавший две ноты человек пытается мысленно достроить дальнейшую мелодию. Когда он сформулировал эту теорию, музыка стала приближаться к понятной и знакомой нам сегодня — у произведений появились начало, развитие и финал. Сейчас трудно представить себе мир без этого знания.
* * *
Почти десять веков прошло с момента церковного запрета на инструменты до их реабилитации. С окончанием эпохи Средневековья он сошел на нет, как и порицание светских музыкантов, включая миннезингеров и трубадуров. С XV века наблюдается уход от церковной монополии на музыку. К тому времени теоретики сформировали основные понятия: что такое тяготение, как должны располагаться и сочетаясь друг с другом ноты. Музыка становится наукой, которая, наравне с другими дисциплинами, выходит за пределы монастырей.
