Уже много лет не только популярная, но и академическая музыка существует в рыночных условиях и вынуждена учитывать запросы аудитории. Зрелищность, разнообразие, низкая себестоимость (при относительно высокой прибыльности) и медийность являются главными опорами современного музыкального бизнеса. Vokrugsveta.ru вместе с музыковедом, и композитором Анной Клеповой попытался разобраться, какие способы для привлечения слушателей находят музыканты и какие произведения «обречены» на успех у публики.
- Источник:
- Shutterstock/Fotodom.ru
Музыки и зрелищ
Около 80% всей поступающей информации человек получает при помощи зрения. Поэтому музыканты, желающие привлечь к своему творчеству как можно больше внимания, делают акцент на зрелищности. Они экспериментируют с визуализацией и добавляют элементы шоу, эпатируют своих слушателей. По этому пути идут все представители массовой музыкальной культуры. Каждая рок-группа, каждый солист стремится найти свои «фишки» в концертной одежде, движениях на сцене и манере исполнения. «Лунная походка» Майкла Джексона, логотип The Rolling Stones и т. д. — зрительные образы всплывают сами.
Если рассматривать «музыку без слов», то первые грандиозные музыкально-световые шоу ставил еще в 1970-х один из пионеров электронной музыки и мультиинструменталист Жан-Мишель Жарр. Он собирал целые стадионы, используя для создания яркой картинки свето- и пиротехнику, удивляя публику диковинными электронными инструментами. Кстати, Жарр был одним из популяризаторов терменвокса — инструмента, который изобрел наш соотечественник Лев Термен еще в 1918 году.
Фрагмент концерта Жана-Мишеля Жарра 1976 года
Важными элементами зрелищности всегда были уникальное владение голосом и инструментом. Возьмем хотя бы гастроли юного Вольфганга Амадея Моцарта, «скрипача дьявола» Никколо Паганини, пианистов-виртуозов Фридерика Шопена, Сергея Рахманинова, Ференца Листа и др. Виртуозность академических музыкантов хорошо продается и сегодня — о сломанном рояле Дениса Мацуева слагают легенды (знаменитый российский пианист сломал инструмент во время концерта в Новосибирске в 2015-м. — Прим. Vokrugsveta.ru).
Симфонические оркестры и небольшие инструментальные ансамбли, становясь на рельсы музыкального рынка, тоже добавляют элементы шоу в свои выступления. В результате получаются танцующие и летающие коллективы, шоу-программы которых не менее зрелищны, чем у амбассадоров массовой музыки. Одними из самых известных мастеров таких выступлений в западном мире являются скрипач и дирижер Андре Рьё, а также струнный квартет MozART group; в России в этой нише выступают Imperial Orchestra, CONCORD ORCHESTRA, Terem Quartet и ряд других исполнителей.
«Танец Рыцарей» из балета «Ромео и Джульетта» Сергея Прокофьева в исполнении Imperial Orchestra
Опасный поворот
Сегодня музыкальная индустрия переживает не лучшие времена — она занимает лишь небольшую долю в сфере развлечений. В России после краха советской филармонической системы в 1990-е годы музыкантам пришлось в экстренном порядке адаптироваться к рыночным условиям.
Находясь в поиске новых способов самовыражения, музыкальная индустрия подстегнула развитие режиссерского театра, который безжалостно ломал стереотипы восприятия классических произведений. Китчевые переодевания и осовременивание героев опер и балетов должны были создавать новые смыслы, но чаще вызывали общественный резонанс и даже скандалы.
Здесь можно вспомнить обнаженных монахинь на сцене Мариинского театра в постановке оперы Сергея Прокофьева «Огненный ангел» режиссера Дэвида Фримана и неоднозначные интерпретации опер Петра Чайковского и Рихарда Вагнера режиссеров Дмитрия Чернякова и Тимофея Кулябина.
Хейт и хайп на колесах
Собрать зрительный зал задача трудная. Конкуренцию «живому исполнению» сегодня составляют не только концерты других исполнителей, но и широко доступные на всевозможных интернет-площадках записи в хорошем качестве.
В последние годы некоторые инструменталисты, включая американскую скрипачку Линдси Стрирлинг, сфокусировались на создании видеоклипов, которые набирают миллионы просмотров — это хорошее подспорье для заработка в дополнение к концертам
На выручку музыкантам приходит пиар. Чтобы сделать себя медийным, используются все имеющиеся ресурсы: от активного ведения блогов и страниц в соцсетях до интервью на радио, телевидении или на популярных YouTube-каналах. Черный пиар тоже может приносить пользу: хейт и хайп — отличные инструменты для раскручивания идей и персон. Вспомним скандалы с увольнением Николая Цискаридзе и Анастасии Волочковой из Большого театра или постоянные обсуждения Ольги Бузовой и рэпера Джигана.
Музыкальный бизнес, как и любой другой, нацелен на зарабатывание денег. Поэтому себестоимость, в которую входят создание контента, репетиции и непосредственно выступления, должна кратно перекрываться прибылью. Популярная музыка создается по законам рынка — ее себестоимость изначально сводится к минимуму. Дополнительная экономия может достигаться за счет использования фонограммы, а не команды из музыкантов. Главным же человеком, ответственным за результат, становится не исполнитель, а звукорежиссер, способный «вытянуть» любого вокалиста.
Единственная сложность — создание оригинального контента. Симфонические оркестры, солисты-инструменталисты и оперные певцы не испытывают репертуарного «голода»: за века написано огромное количество классической музыки и ее продолжают создавать до сих пор. Однако себестоимость академической музыки выше, чем у популярной, потому что в процессе задействовано больше людей, а подготовка к выступлениям занимает значительное время, которое уходит на разучивание партий и «сведение» всех участников коллектива дирижером.
Оптимизировать репетиционный этап можно только за счет профессионализма самих музыкантов: каждый из них имеет за плечами годы обучения в музыкальных школах, училищах, консерваториях. Показательным в этом отношении является симфонический оркестр Мариинского театра, который за время Пасхальных гастролей по всей России ни разу не повторяет свою программу. Сложно представить исполнителя популярной музыки, который в течение месяца ежедневно дает несколько концертов с разным репертуаром.
Получается, что рынок с его требованиями низкой себестоимости и разнообразия создает трудности для представителей как популярного, так и академического искусства. Одним не хватает материала, вторым — времени на его освоение. Но выход есть!
Смешать и взбалтывать
Для музыкальной индустрии ХХ-ХХI вв. характерно смешение далеких друг от друга стилей и создание «пограничных» жанров: отсюда всевозможные ремейки и ремиксы. Фактически, из «старого» материала рождается нечто новое: соул превращается в танцевальный трек, а несколько наложенных друг на друга отдельных песен образуют так называемый мэшап (mashup). К подобным трюкам прибегают в условиях дефицита материала представители популярной музыки, они же используют и материал из классической музыки.
Отдельным пограничным жанром в конце ХХ века стал классический кроссовер (classical crossover). Для академической музыки это способ стать более понятной и демократичной, а для популярной — приблизиться к «высокому искусству». Отсюда возникают всевозможные коллаборации между представителями академического и популярного искусства. Например, выступления трио теноров Хосе Каррераса, Пласидо Доминго и Лучано Паваротти на футбольных матчах.
К кроссоверам относятся и совместные концерты рок-групп с известными академическими музыкантами. Яркими примерами такого формата можно назвать выступление группы Scorpions и Мстислава Ростроповича у Бранденбургских ворот в Берлине в 1999 году и дуэт солиста Queen Фредди Меркьюри с оперной певицей Монсеррат Кабалье в 1987-м. Один из современных трендов — выступления популярных групп и певцов в сопровождении симфонических оркестров.
Исполненная Меркьюри и Кабалье песня Barcelona стала хитом на все времена
Классический кроссовер нередко сочетает элементы академической, поп-, рок- и электронной музыки. Мастерами кроссоверов можно назвать композиторов Людовико Эйнауди и Эндрю Ллойда Уэббера, а также исполнителей Джоша Гробана и Сару Брайтман.
* * *
Результаты «приспособления» музыки к рынку бывают разными. В одних случаях теряется некоторая сакральность музыки и нарушается связь от сердца к сердцу, в других аудитория получает возможность прикоснуться к прекрасному и даже получить что-то вроде сеанса психотерапии, а в третьих — музыка просто поднимает настроение и позволяет отвлечься от реальности.
